miércoles, 27 de mayo de 2009
domingo, 17 de mayo de 2009
VICTOR VASARELY
VICTOR VASARELY
Pécs (Hungría), 1906 - París, 1997
Víctor Vasarely ( vah-zah-re-li ), pintor y escultor. Pionero de la vanguardia óptica y cinética.
Considerado el padre del Op Art. Durante los años 60' y 70' sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular, teniendo un impacto profundo en arquitectura, ciencias de la informática, moda, y la manera en que ahora miramos las cosas en general. Incluso logrando gran fama en vida siempre insistió en hacer su arte accesible a todo el mundo. Su lema era "Arte para todos". Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista. Por otra parte, consecuente con sus teorías, creía en la desaparición de la obra única, singular, y aboga por el futuro 'democrático' de los 'múltiples' o repetición industrial y serigráfica del mismo modelo. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte. Su aspiración era crear una síntesis entre pintura y plástica, donde la pintura tenga todas las prerrogativas de una escultura a dos dimensiones. 'Artista' cinético, para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica.
Primero estudió medicina en la Univ. de Budapest. Al mismo tiempo, hacia 1927, inicia los estudios de arte. En 1928 se inscribe en la Muhely Academy, conocida como la Bauhaus de Budapest, donde tiene como maestro a Alexander Bortnijik. Allí se familiariza con la obra de dos artistas pioneros en el estudio del color y la óptica, Josef Albers y Johannes Itten, y con la de los Constructivistas Malevich, Kandinsky, Mondrian y Moholy-Nagy entre otros.
De sus 2 años de medicina conservaría el rigor científico y la objetividad, desarrollando más si puede su gusto por la exactitud y lo sistemático. Aficionado a la Física, era para él una fuente de poesía. Llegado el conocimiento científico a los límites de lo explicable, este ya no es asequible a todo el mundo, entonces el arte como medio educacional, puede ofrecer una explicación plástica, si bien lejos de los modelos científicos pueden acercarseles de manera intuitiva y sensitiva.
La evolución pictórica de Vasarely es el resultado de una acumulación firme y lenta de experiencias. Empieza a pintar tarde, a la edad de 37 años. Influido por los movimientos pictóricos del momento (en París), adopta un estilo simbolista y surrealista, más tarde aventurándose dentro del expresionismo, y después la semi-figuración y abstracción completa, mostrando en todos los estilos una sutileza y sofisticación propia de los más veteranos. V. bautizaría sus primeros esfuerzos como sus "rutas falsas". Vasarely bien podía haber sido un excelente pintor figurativo o surrealista, aunque esto no hubiera sido suficiente para satisfacer sus aspiraciones estéticas.
Típicamente, Vasarely ordena un gran número de pequeñas formas geométricas casi idénticas en modelos que generan ilusiones vivas de profundidad y, en algunos casos, movimiento.
Para Vasarely forma y color eran inseparables. Cada forma es la base para un color, cada color es el atributo de una forma
En 1930 se trasladó a París donde trabaja como diseñador gráfico hasta que, en 1944 se dedica al arte exclusivamente. Durante esta época dibujó motivos lineales tanto figurativos como abstractos como por ejemplo sus series de arlequines, dameros, tigres y cebras. También durante esta época, Vasarely creó obras multidimensionales por superposición de capas de patrones de celofán que creaban ilusión de profundidad.
Vasarely además escribió una serie de manifiestos sobre el uso de los fenómeno ópticos para propósitos artísticos. Junto con su pintura, estos manifiestos tuvieron una influencia muy significativa en los artistas más jóvenes.
Fragmentos de "Notes Brutes" 1946-1960.
1950 "En el futuro asistiremos a exposiciones proyectadas por artistas contemporáneos. Dos días serán suficientes para enviar una exposición grande en una carta de una parte del globo a otra. Y en una especie de documento adjunto en clave, el artista presentara las condiciones verdaderas y iniciales de su creación."
1953 "El pensamiento egocéntrico que ha prevalecido hasta hoy debe volverse un pensamiento expansivo. El arte deber volverse generoso y totalmente difundible, y sobre todo, debe ser contemporáneo y no póstumo. De ahora en adelante, las nuevas tecnologías nos permitirán difundir el arte instantáneamente a las masas."
1960 "El fin de un arte personal para una elite sofisticada está cerca, nosotros somos la recta de encabezamiento hacia una civilización global, gobernado por las Ciencias y las Tecnologías. Nosotros debemos integrar la sensibilidad plástica dentro un mundo de hormigón..."
Su primera exposición individual fue en 1946 . Su trabajo, entonces, era completamente figurativo con un toque simbolista. En 1947 empezó a producir obras abstractas bajo la influencia de Mondrian y Magnelli con clara inclinación hacia el uso del color blanco pero la ilusión óptica aún no era su objetivo.
A través de un proceso de verdadera auto-mutilación artística, abandona la figuración, rechaza todos los atajos ofrecidos por su dominio técnico. Los paisajes que descubre durante unas vacaciones en Bretaña, y más tarde en la Provenza, paradójicamente le inducen el camino hacia la abstracción geométrica, renovando el género con nuevas formas y direcciones. A través de la continua experimentación llega a la más pura abstracción, despojando al arte de toda referencia no-plástica.
El interés de Vasarely se centraba en las formas geométricas, pero llegó a la conclusión, en 1955, de que ya se había hecho todo en pintura. Su objetivo fue entonces inducir sensaciones como ya había hecho antes con otros materiales. Vasarely tomó parte en muchas exposiciones en Francia y en el extranjero desde 1946 y publica en 1955 el 'Manifiesto cinético' .
Sin embargo V. no se dejó atrapar por ningún método, para él la teoría no precede a la creación y le gustaba afrontar sus proyectos sin nociones preconcebidas.
En 1970, se puso de moda entre los estudiantes tener un póster de Vasarely en la habitación (ni que decir que fue este negocio, el de la serigrafía, el que más dinero le proporcionó), mientras su trabajo constituía la base para nuevas investigaciones con la ayuda de ordenadores a finales de los 80’.
V. en su faceta de realizador hizo dos películas: "Les Múltiples" y "Précinetisme" (1966-69).
En 1978 se inauguran la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence y el Museo Vasarely en su ciudad natal, Pécs, en Hungría.
Vasarely, que murió en 1997 dio un increíble empuje al arte óptico durante los años 60' y 70' y seguramente allanó el camino al actual 'computer art'.
Pécs (Hungría), 1906 - París, 1997
Víctor Vasarely ( vah-zah-re-li ), pintor y escultor. Pionero de la vanguardia óptica y cinética.
Considerado el padre del Op Art. Durante los años 60' y 70' sus imágenes ópticas se convirtieron en parte de la cultura popular, teniendo un impacto profundo en arquitectura, ciencias de la informática, moda, y la manera en que ahora miramos las cosas en general. Incluso logrando gran fama en vida siempre insistió en hacer su arte accesible a todo el mundo. Su lema era "Arte para todos". Fue además un teórico congruente, que prefería ser llamado artesano antes que artista. Por otra parte, consecuente con sus teorías, creía en la desaparición de la obra única, singular, y aboga por el futuro 'democrático' de los 'múltiples' o repetición industrial y serigráfica del mismo modelo. Sus experimentos cinéticos, que transformaban la superficie plana en un mundo de infinitas posibilidades, mucho antes del advenimiento de los ordenadores, marcaron una era en la historia del arte. Su aspiración era crear una síntesis entre pintura y plástica, donde la pintura tenga todas las prerrogativas de una escultura a dos dimensiones. 'Artista' cinético, para él la noción de movimiento se relaciona con la ilusión del espacio. De la unión entre estos dos elementos nace la obra plástica.
Primero estudió medicina en la Univ. de Budapest. Al mismo tiempo, hacia 1927, inicia los estudios de arte. En 1928 se inscribe en la Muhely Academy, conocida como la Bauhaus de Budapest, donde tiene como maestro a Alexander Bortnijik. Allí se familiariza con la obra de dos artistas pioneros en el estudio del color y la óptica, Josef Albers y Johannes Itten, y con la de los Constructivistas Malevich, Kandinsky, Mondrian y Moholy-Nagy entre otros.
De sus 2 años de medicina conservaría el rigor científico y la objetividad, desarrollando más si puede su gusto por la exactitud y lo sistemático. Aficionado a la Física, era para él una fuente de poesía. Llegado el conocimiento científico a los límites de lo explicable, este ya no es asequible a todo el mundo, entonces el arte como medio educacional, puede ofrecer una explicación plástica, si bien lejos de los modelos científicos pueden acercarseles de manera intuitiva y sensitiva.
La evolución pictórica de Vasarely es el resultado de una acumulación firme y lenta de experiencias. Empieza a pintar tarde, a la edad de 37 años. Influido por los movimientos pictóricos del momento (en París), adopta un estilo simbolista y surrealista, más tarde aventurándose dentro del expresionismo, y después la semi-figuración y abstracción completa, mostrando en todos los estilos una sutileza y sofisticación propia de los más veteranos. V. bautizaría sus primeros esfuerzos como sus "rutas falsas". Vasarely bien podía haber sido un excelente pintor figurativo o surrealista, aunque esto no hubiera sido suficiente para satisfacer sus aspiraciones estéticas.
Típicamente, Vasarely ordena un gran número de pequeñas formas geométricas casi idénticas en modelos que generan ilusiones vivas de profundidad y, en algunos casos, movimiento.
Para Vasarely forma y color eran inseparables. Cada forma es la base para un color, cada color es el atributo de una forma
En 1930 se trasladó a París donde trabaja como diseñador gráfico hasta que, en 1944 se dedica al arte exclusivamente. Durante esta época dibujó motivos lineales tanto figurativos como abstractos como por ejemplo sus series de arlequines, dameros, tigres y cebras. También durante esta época, Vasarely creó obras multidimensionales por superposición de capas de patrones de celofán que creaban ilusión de profundidad.
Vasarely además escribió una serie de manifiestos sobre el uso de los fenómeno ópticos para propósitos artísticos. Junto con su pintura, estos manifiestos tuvieron una influencia muy significativa en los artistas más jóvenes.
Fragmentos de "Notes Brutes" 1946-1960.
1950 "En el futuro asistiremos a exposiciones proyectadas por artistas contemporáneos. Dos días serán suficientes para enviar una exposición grande en una carta de una parte del globo a otra. Y en una especie de documento adjunto en clave, el artista presentara las condiciones verdaderas y iniciales de su creación."
1953 "El pensamiento egocéntrico que ha prevalecido hasta hoy debe volverse un pensamiento expansivo. El arte deber volverse generoso y totalmente difundible, y sobre todo, debe ser contemporáneo y no póstumo. De ahora en adelante, las nuevas tecnologías nos permitirán difundir el arte instantáneamente a las masas."
1960 "El fin de un arte personal para una elite sofisticada está cerca, nosotros somos la recta de encabezamiento hacia una civilización global, gobernado por las Ciencias y las Tecnologías. Nosotros debemos integrar la sensibilidad plástica dentro un mundo de hormigón..."
Su primera exposición individual fue en 1946 . Su trabajo, entonces, era completamente figurativo con un toque simbolista. En 1947 empezó a producir obras abstractas bajo la influencia de Mondrian y Magnelli con clara inclinación hacia el uso del color blanco pero la ilusión óptica aún no era su objetivo.
A través de un proceso de verdadera auto-mutilación artística, abandona la figuración, rechaza todos los atajos ofrecidos por su dominio técnico. Los paisajes que descubre durante unas vacaciones en Bretaña, y más tarde en la Provenza, paradójicamente le inducen el camino hacia la abstracción geométrica, renovando el género con nuevas formas y direcciones. A través de la continua experimentación llega a la más pura abstracción, despojando al arte de toda referencia no-plástica.
El interés de Vasarely se centraba en las formas geométricas, pero llegó a la conclusión, en 1955, de que ya se había hecho todo en pintura. Su objetivo fue entonces inducir sensaciones como ya había hecho antes con otros materiales. Vasarely tomó parte en muchas exposiciones en Francia y en el extranjero desde 1946 y publica en 1955 el 'Manifiesto cinético' .
Sin embargo V. no se dejó atrapar por ningún método, para él la teoría no precede a la creación y le gustaba afrontar sus proyectos sin nociones preconcebidas.
En 1970, se puso de moda entre los estudiantes tener un póster de Vasarely en la habitación (ni que decir que fue este negocio, el de la serigrafía, el que más dinero le proporcionó), mientras su trabajo constituía la base para nuevas investigaciones con la ayuda de ordenadores a finales de los 80’.
V. en su faceta de realizador hizo dos películas: "Les Múltiples" y "Précinetisme" (1966-69).
En 1978 se inauguran la Fundación Vasarely en Aix-en-Provence y el Museo Vasarely en su ciudad natal, Pécs, en Hungría.
Vasarely, que murió en 1997 dio un increíble empuje al arte óptico durante los años 60' y 70' y seguramente allanó el camino al actual 'computer art'.
Frank stella
FRANK STELLA
PINTOR ESTADOUNIDENCE
1936 - 1978
Stella es uno de los artístas relevantes de la corriente geométrica en el arte del siglo XX. Sin ser tan conocido como el propio Vasarely, del que hablamos hace poco, su propuesta geometricista surge de una sincera reacción al encumbrado (y aún idolatrado) "Expresionismo abstracto" del que Pollock y Kline (en España Saura, por ejemplo) son los máximos exponentes. Las obras de Stella definen la exploración de un camino desde sus juegos geométricos con formas puras y tonalidades de colores graduadas, hasta las series de estampas a partir de patrones de blanco y negro, pasando por la escultura y el collage, y por una etapa Pop muy influyente. En la actualidad el artista explora nuevas vías a través de obras escultóricas de gran formato, como las que se pudieron ver en la instalación del Metropolitan Museum de mayo a octubre de 2007, en conjunción con la exposición "Painting into Architecture".
Pero para muchos, Frank Stella será más conocido por haber sido el artista que decoró el segundo de los famosos BMW Art Cars. En 1975, diseñó para el CSL una cuadrícula a partir del patrón de un papel milimetrado, para diseñar sobre él algunos trazos geométricos, todo ello en blanco y negro. El coche corrió en las 24 Horas de Le Mans de 1976, pero a diferencia del pintado por Calder y pilotado por Hervé Poulain que el año antes había llegado a la 11ª plaza, el nº 41 pilotado por Redman y Gregg tuvo que retirarse en la cuarta hora por una fuga de aceite. Pero antes de toda esta historia, hubo algo que siempre acercó a Stella a la competición automovilística, y ello dejó una curiosa e interesante huella en su obra. Habitualmente cuando pensamos en pintura y carreras, nos vienen a la cabeza los manieristas y conservadores (aunque bellos) lienzos del tipo de los que se pueden ver en la galería Luzzago (como los de Statis Vlachakos u Oscar Morosini). Sin embargo las obras de Stella exploran las carreras desde un punto de vista diferente.
El americano dedicó en los años 80 algunas de sus obras al mundo de la competición. La serie más conocida e interesante es aquella dedicada a los circuitos. Partiendo de las características plásticas de cada trazado en sí mismo, las amplias curvas de Talladega, las largas rectas de Imola, o el mítico "Siete" del Jarama sirvieron a Stella para realizar reinterpretaciones abstractas. El resultado, una serie de potentes obras en la que las curvas de los circuitos, y sus personales trazados, están más en esencia que en forma, y son ellos mismos aunque no puedan ser reconocidos por su trazado. La serie incluye, hasta donde he podido saber, Imola, Estoril, Jarama, Enna Pergusa, Talladega y Hockenheim., todos ellos con variantes de color y composición numeradas (Jarama 1, Jarama 2...)
Sin embargo, en la obra de Frank Stella también hay lugar para los pilotos, y en este caso para dos muy especiales. En 1970, dentro de su etapa de obras en blanco y negro a partir de duros patrones geométricos y de fuerte abstracción, dedicó una obra a un mítico y pionero piloto español, el Marqués de Portago. Alfonso Cabeza de Vaca era un aristócrata español que se aventuró en el mundo de las carreras de coches cuando aquellas todavía eran una épica aventura para románticos más que para pilotos. Tras una vida de película y una prometedora carrera deportiva, el Marqués de Portago murió trágicamente en una de las épicas carreras que hoy forjan su leyenda, la Mille Miglia, en 1957. La obra de Stella es un homenaje abstracto y duro a una carrera que se quedó en la cuneta como tantas en aquella época de las carreras entre dioses.
Años más tarde, en 1980, Stella volvió a dedicar una de sus series a otro gran piloto de la Fórmula 1 trágicamente desaparecido antes de tiempo. Ronnie Peterson, en sus 9 temporadas en la categoría reina del automovilismo, se alineó en 123 carreras de las cuales ganó 10. El sueco se convirtió rápidamente en un personaje popular de las carreras, siempre aspirando al campeonato del mundo que nunca llegó a conseguir. Pero su muerte tras un grave accidente en Monza en 1978, cuando las carreras empezaban a reducir drásticamente este tipo de tragedias que tan habituales eran en los años 60, le elevó prácticamente a la categoría de mito. En 1980, Stella dedicó una serie de lienzos al desaparecido piloto nórdico, llamada "Polar coordinates for Ronnie Peterson". En realidad la serie era una variante de sus investigaciones acerca de las Coordenadas Polares, y que tenía el mismo nombre "Polar Coordinates". Stella también ensayó diferentes variantes sobre el tema bajo este título.
Es inevitable mencionar el vínculo entre la afición de Stella a la competición automovilística y estas obras. Las expresiones artísticas vinculadas con el automóvil en el siglo XX han estado particularmente atadas a propuestas figurativistas, especialmente después del auge de la cartelería Art Nouveau y del encendido mensaje del Futurismo. Sin embargo, los temas abstractos vinculados al automóvil son menos, pero no por ello menos interesantes. Por un lado, porque se adentran en la principal innovación del arte del siglo XX (la búsqueda de la abstracción). Por otro, porque el arte abstracto no es otra cosa que la expresión de ideas o sensaciones a través de obras sin representación de formas de la realidad, es decir, una forma de representar las cosas sin que estén visibles, de que se puedan sentir mediante el corazón y la cabeza. Para el gran público con una mínima formación artística, el arte abstracto se percibe por los sentidos, por las sensaciones que nos producen sus colores o sus trazos. Y, después de todo ¿No es en gran parte el mundo del automóvil, y también las carreras, algo que se aprecia por los sentidos y las sensaciones, por sus formas, sus trazos, las emociones, sin que, muchas veces, medien argumentos que la razón pueda asimilar? Para Stella, es la misma pasión.
PINTOR ESTADOUNIDENCE
1936 - 1978
Stella es uno de los artístas relevantes de la corriente geométrica en el arte del siglo XX. Sin ser tan conocido como el propio Vasarely, del que hablamos hace poco, su propuesta geometricista surge de una sincera reacción al encumbrado (y aún idolatrado) "Expresionismo abstracto" del que Pollock y Kline (en España Saura, por ejemplo) son los máximos exponentes. Las obras de Stella definen la exploración de un camino desde sus juegos geométricos con formas puras y tonalidades de colores graduadas, hasta las series de estampas a partir de patrones de blanco y negro, pasando por la escultura y el collage, y por una etapa Pop muy influyente. En la actualidad el artista explora nuevas vías a través de obras escultóricas de gran formato, como las que se pudieron ver en la instalación del Metropolitan Museum de mayo a octubre de 2007, en conjunción con la exposición "Painting into Architecture".
Pero para muchos, Frank Stella será más conocido por haber sido el artista que decoró el segundo de los famosos BMW Art Cars. En 1975, diseñó para el CSL una cuadrícula a partir del patrón de un papel milimetrado, para diseñar sobre él algunos trazos geométricos, todo ello en blanco y negro. El coche corrió en las 24 Horas de Le Mans de 1976, pero a diferencia del pintado por Calder y pilotado por Hervé Poulain que el año antes había llegado a la 11ª plaza, el nº 41 pilotado por Redman y Gregg tuvo que retirarse en la cuarta hora por una fuga de aceite. Pero antes de toda esta historia, hubo algo que siempre acercó a Stella a la competición automovilística, y ello dejó una curiosa e interesante huella en su obra. Habitualmente cuando pensamos en pintura y carreras, nos vienen a la cabeza los manieristas y conservadores (aunque bellos) lienzos del tipo de los que se pueden ver en la galería Luzzago (como los de Statis Vlachakos u Oscar Morosini). Sin embargo las obras de Stella exploran las carreras desde un punto de vista diferente.
El americano dedicó en los años 80 algunas de sus obras al mundo de la competición. La serie más conocida e interesante es aquella dedicada a los circuitos. Partiendo de las características plásticas de cada trazado en sí mismo, las amplias curvas de Talladega, las largas rectas de Imola, o el mítico "Siete" del Jarama sirvieron a Stella para realizar reinterpretaciones abstractas. El resultado, una serie de potentes obras en la que las curvas de los circuitos, y sus personales trazados, están más en esencia que en forma, y son ellos mismos aunque no puedan ser reconocidos por su trazado. La serie incluye, hasta donde he podido saber, Imola, Estoril, Jarama, Enna Pergusa, Talladega y Hockenheim., todos ellos con variantes de color y composición numeradas (Jarama 1, Jarama 2...)
Sin embargo, en la obra de Frank Stella también hay lugar para los pilotos, y en este caso para dos muy especiales. En 1970, dentro de su etapa de obras en blanco y negro a partir de duros patrones geométricos y de fuerte abstracción, dedicó una obra a un mítico y pionero piloto español, el Marqués de Portago. Alfonso Cabeza de Vaca era un aristócrata español que se aventuró en el mundo de las carreras de coches cuando aquellas todavía eran una épica aventura para románticos más que para pilotos. Tras una vida de película y una prometedora carrera deportiva, el Marqués de Portago murió trágicamente en una de las épicas carreras que hoy forjan su leyenda, la Mille Miglia, en 1957. La obra de Stella es un homenaje abstracto y duro a una carrera que se quedó en la cuneta como tantas en aquella época de las carreras entre dioses.
Años más tarde, en 1980, Stella volvió a dedicar una de sus series a otro gran piloto de la Fórmula 1 trágicamente desaparecido antes de tiempo. Ronnie Peterson, en sus 9 temporadas en la categoría reina del automovilismo, se alineó en 123 carreras de las cuales ganó 10. El sueco se convirtió rápidamente en un personaje popular de las carreras, siempre aspirando al campeonato del mundo que nunca llegó a conseguir. Pero su muerte tras un grave accidente en Monza en 1978, cuando las carreras empezaban a reducir drásticamente este tipo de tragedias que tan habituales eran en los años 60, le elevó prácticamente a la categoría de mito. En 1980, Stella dedicó una serie de lienzos al desaparecido piloto nórdico, llamada "Polar coordinates for Ronnie Peterson". En realidad la serie era una variante de sus investigaciones acerca de las Coordenadas Polares, y que tenía el mismo nombre "Polar Coordinates". Stella también ensayó diferentes variantes sobre el tema bajo este título.
Es inevitable mencionar el vínculo entre la afición de Stella a la competición automovilística y estas obras. Las expresiones artísticas vinculadas con el automóvil en el siglo XX han estado particularmente atadas a propuestas figurativistas, especialmente después del auge de la cartelería Art Nouveau y del encendido mensaje del Futurismo. Sin embargo, los temas abstractos vinculados al automóvil son menos, pero no por ello menos interesantes. Por un lado, porque se adentran en la principal innovación del arte del siglo XX (la búsqueda de la abstracción). Por otro, porque el arte abstracto no es otra cosa que la expresión de ideas o sensaciones a través de obras sin representación de formas de la realidad, es decir, una forma de representar las cosas sin que estén visibles, de que se puedan sentir mediante el corazón y la cabeza. Para el gran público con una mínima formación artística, el arte abstracto se percibe por los sentidos, por las sensaciones que nos producen sus colores o sus trazos. Y, después de todo ¿No es en gran parte el mundo del automóvil, y también las carreras, algo que se aprecia por los sentidos y las sensaciones, por sus formas, sus trazos, las emociones, sin que, muchas veces, medien argumentos que la razón pueda asimilar? Para Stella, es la misma pasión.
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